Les films cinéma à vous conseiller ou non [EN salle]

Christophe a écrit:

Le film dont tu parles c'est sans doute "Cinema Paradiso",

Exact !!!
avec tes propos, mais petit à petit j'y vais moins souvent dans les salles obscures, dommage !!!

Le thriller est un genre que j'apprécie bien au cinoche, du moins quand il "assure" avec originalité, en évitant les grosses ficelles. "Diamant noir", d'A.Harari est de ce genre : c'est un bon suspense, assez Hitchcockien peut-être dans la mesure où il fouille le mental des personnages principaux, le replaçant dans un contexte familial complexe caché derrière la surface des choses. Il assure, c'est sûr, donc. De plus, il a ceci d'original qu' il nous donne à découvrir le microcosme des diamantaires juifs d'Anvers (et contre tous  ), leur fascination pour le scintillement absolu et la technique qui leur offre une chance de s'en approcher.
Un jeune homme, Pier, coincé dans sa vie de bricolages un peu louches à Paris, apprend que son père, fils d'un riche diamantaire anversois, est mort dans la rue, sans rien laisser d'autre à Pier que la rancoeur contre sa famille. Pier va tenter de s'infiltrer dans cette famille, feignant de vouloir renouer à l'occasion de ce deuil, pour aller jusqu'à la vengeance qu'il croit nécessaire et juste.
La scène d'intro nous cloue au fauteuil et annonce la couleur de ce suspense tout en finesse, qui nous ouvre un par un les placards d'une famille friquée, où semblent bien cliqueter pas mal de squelettes : l'autorité d'un père et son amour aussi, les fragilités d'un fils et sa noirceur aussi, la fortune familiale et sa précarité aussi... Dans le scénar brillant de ce petit bijou, chaque facette qu' Harari met à plat nous suggère qu'il faut abraser prudemment, sans arrondir les angles, pour faire jaillir la lumière en créant des fenêtres. Quand enfin les masques tombent, la complexité et la puissance des liens familiaux se fait jour d'un coup et Pier, que l'on croyait au plus près du Graal, doit prendre du recul. A poncer trop près de l'os, il a commis l'irréparable et ses certitudes, comme les nôtres, s'évanouissent plus ou moins. Un film aussi fort que subtil.

Miam, Miam !!!

Merci Christophe

Pour changer un peu, un long métrage d'animation haut de gamme d'un certain Didok de Wit, qui a mis 7 ans à réaliser son chef d'oeuvre en collaborant avec un studio japonais. Son film magnifique est des lieues d'un "survival" classique façon "R.Crusoe" ou "Seul au monde", car s'il part d'un naufrage sur une île déserte et nous conte la lente transformation du naufragé, le réal prend le parti d'utiliser cette métaphore pour se pencher sur notre condition de mortel dépendant de la mère nature, pourvoyeuse de vie qui ne nous ménage pas spécialement...

En opérant sur le plan formel une sorte de marche en arrière délibérée, "La tortue rouge" se démarque magistralement de l'air du temps. Ses grandes, très grandes qualités esthétiques se placent sur un registre contemplatif et le parti pris de simplicité, qui touche jusqu'à la conception du scénario, n'empêche pas la recherche de la perfection. Perfection de la fluidité pour l'animation, perfection de la mise en couleur et en lumière, perfection dans l'économie de moyens . Le gigantisme de la nature surgit des cadrages, point n'est besoin d'effets spéciaux ou de 3D spectaculaire. L'écoulement du temps qui passe sur une vie d'homme n'a même pas besoin d'une succession de saisons avec leurs changements d'ambiance colorée ou lumineuse pour s'imposer à nos ressentis. La fantaisie n'a pas besoin de dialogues pétillants, seule lui suffit la danse de 3 petits crabes pour exister, comme un rythme gentiment comique en contrepoint à la dramaturgie de la vie et de la mort...
On pourrait regretter le caractère un peu rabattu des couleurs choisies (même le rouge, qui n'apparaît me semble-t-il que sur la tortue, n'est pas un rouge qui "claque"), l'absence de toniques pour animer autant les verts des bambous que les jaune-beiges du sable ou les bleu-verts de l'eau si présente, mais les ciels de levant, de couchant, de nuit étoilée ou de tempête rattrapent le coup. La terrible scène d'intro avec ses vagues gigantesques est une des plus réussies, autant que la tempête qui précède la dernière partie....
La bande son est au diapason : une musique symphonique en grande partie composée spécialement si j'ai bien lu le générique, capable d'installer des tensions dramatiques ou de nous apaiser, bien servie par des bruitages ou des sons super raccords avec l'image. Elle compte d'autant plus que réussir à ne pas rendre ennuyeux un film aussi long sans aucun dialogue était une gageure.
Dans cette sorte de parabole sur la place de l'homme dans le monde fini, dans la nature avec l'eau, la terre, l'air, le bois et le feu, je n'ai pourtant pas vraiment compris comment Dudok de Witt perçoit l'élément feu (d'autant moins d'ailleurs qu'on pourrait voir dans son film, soit dit en passant, une apologie silencieuse du "crudivorisme"). La brève séquence où le feu apparaît m'a semblé un peu plaquée et c'est le seul point qui n'a pas emporté d'emblée mon adhésion enthousiaste...
Pour finir, je dirai que je suis sorti du film rêveur et apaisé, mais plus conscient que nous nous éloignons peut-être de l'essentiel. A cause de cela, je remercie l'équipe de Dudok de Wit et les studios Ghibli, qui ont dû oeuvrer ensemble des années pour créer ce très beau film.

Moka, du suisse Frédéric Mermoud, est un thriller psychologique assez quelconque mais que j'ai voulu essayer, alléché par la distribution : N.Baye et E.Devos, je me disais ça va donner.
Dans cette histoire d'un projet de vengeance au petit bonheur, Emmanuelle Devos campe une Diane Kramer plutôt convaincante. Rien d'étonnant à cela étant donné sa classe, toujours aussi discrète et efficace. En face d'elle, N.Baye en pleine possession de ses moyens est Marlene. Elle n'a aucun mal à donner de la présence à son personnage de femme pourtant plutôt insignifiante, présumée conductrice de la voiture qui tua le fils de Diane, que cette dernière cherche à cerner de plus près pour éventuellement venger la mort de son fils, si elle le mérite . En tant que spectateur, on est enclin à oublier longtemps la présomption d'innocence pour cette blonde maquilleuse trop maquillée. En cela le film marque un point. En prime on a droit à de splendides extérieurs, les ambiances apaisantes du lac Léman sont un beau contrepoint à une tension censée monter en puissance à mesure que Diane avance dans son enquête... Tout ça c'est bien, mais n'est pas Chabrol ou Hitchcock qui veut. Le film manque de rythme et c'est son gros défaut : même si le déroulé des évènements joue la carte de l'ambiguïté jusque bien tard dans l'intrigue, ce drame qui se voulait sans doute inquiétant a peiné à emporter mon adhésion. A noter d'ailleurs que la tocade de Diane pour Vincent, la petite frappe qui lui fourgue un flingue, est peu crédible et inutile. C'est sans doute ce dernier point qui décidément me retient de mettre à ce film plus que la moyenne, malgré ses qualités esthétiques, malgré sa direction d'acteurs et la prestation des deux têtes d'affiche.

Je note !

Merci Christophe.

La sortie cinoche de ce soir : Le fils de Jean, de P.Lioret, qui a signé "La demoiselle", "Je vais bien ne t'en fais pas", "Toutes nos envies" et le plus connu "Welcome", tous films qui nous avaient bien plu.
Matthieu, un trentenaire parisien de la classe moyenne plutôt branchée, partage son temps entre son boulot de commercial dynamique et le fils dont il a la garde en alternance avec sa femme, dont il ne partage plus l'existence. Elevé par une mère célibataire décédée huit ans plus tôt, il ne connaît rien de ses origines paternelles. Aussi quand Pierre, un inconnu qui se dit l'ami de son père naturel, le contacte du Canada pour l'informer que ce père vient de mourir, qu'il laisse deux fils "officiels" mais lui lègue un colis que lui, Pierre, doit lui faire parvenir, son sang ne fait qu'un tour. Il décide illico de partir aux obsèques canadiennes, pour rencontrer les "frères qu'il n'a jamais eus". Mais l'accueil de Pierre manque un peu de chaleur et derrière la surface des choses il flaire des non-dits. Un mystère domestique s'installe où les frères ont décidément de fâcheux défauts, une impalpable tension gagne du terrain à mesure que le charisme de Matthieu et de l'étrange ami Pierre nous les rendent plus attachants...
Famille je vous haime ? Les liens du sang, la transmission, la force des femmes et leur finesse aussi, le silence buté des hommes, autant de thématiques que ce joli film, tout en retenue, aborde avec sobriété et justesse, bien servi par des dialogues ciselés où le parler canadien nous régale sans excès d'accent. Avec, ce qui ne gâche rien, une belle lumière dans des scènes d'extérieur sur fin d'été au bord d'un lac, mais surtout la très belle prestation des deux rôles principaux de Matthieu (Pierre Deladonchamps) et Pierre (Gabriel Arcand). Ces deux là portent le film qu'ils irradient de leur présence touchante de belles personnes, sensibles, respectueux, ambigus jusqu'au dénouement surprise qui nous cueille en douceur. Un bon moment, dans la lignée des opus intimistes de Lioret qui a décidément une patte.

Dans "La taularde", Audrey Estrugo nous raconte l'arrivée en prison de Mathilde, une prof de lettres accusée de complicité dans l'évasion de son compagnon, un extrémiste-braqueur. En détention en attendant son procès, elle fait connaissance comme nous avec le monde inquiétant de la prison pour femmes.
Investie dans son rôle, Sophie Marceau réussit assez bien sa métamorphose : passé le premier quart d'heure, son étiquette estampillée "sex-symbole-bourgeoise-branchée" disparaît, malmenée par le passage à la machine carcérale...
Investie dans son rôle de dénonciatrice du scandaleux marasme où croupit le monde de la prison, Audrey Estrougo réussit assez bien son coup : elle nous en fait voir autant qu'à ses taulardes confrontées à la promiscuité, aux pannes de douches, aux coupes budgétaires à cause desquelles même le papier hygiénique fait parfois défaut dans les cellules miteuses, au suivi médical approximatif, à la violence pas toujours contenue, enfin à tout ce qui rend le quotidien invivable dans les prisons pour femmes, et dont on ne parle que rarement dans les médias. C'est donc un message utile autant qu'alarmant qu'elle balance...
L'ennui c'est que le scénario sur lequel elle s'appuie souffre d'un peu de flou, et que certains personnages y perdent de leur crédibilité.  Celui d'Anita (Anne Le Ny) est dans ce cas : le rapport qu'elle installe vénalement avec la pauvre Mathilde (S.Marceau) est important, mais sa personnalité floue et vicieuse est si grossièrement ébauchée que les scènes de violence du film, dont elle est finalement à l'origine, paraissent presque plaquées. Non pas ratées, loin s'en faut, mais placées là comme à des fins didactiques d'information.  D'ailleurs même pour ce qui concerne Mathilde, cette (petite)réserve me semble de mise : le côté sommaire dans l'évocation de son passé et de la cavale de son mec nuit à l'épaisseur du personnage...
Au final, quoique les parcours individuels des protagonistes ne soient visiblement pas le sujet de ce film coup de poing, c'est assez pour m'empêcher de lui mettre quatre étoiles. Mais la qualité des acteurs et l'importance du message valent plus de trois. Total, trois étoiles et demi, du coup. Forcément.

Brouh... l'univers carcéral me fait froid dans le dos !

Dans le registre des films relatifs à l'univers carcéral, il y a quelques pépites, quand même. Chez les français je n'ai pas de titre en tête là tout de suite, mais chez les amerloques, sans réfléchir j'en vois deux : bien sûr "L'évadé d'Alcatraz" avec C.Eastwood, un peu daté mais toujours efficace, et mon préféré sans doute, "Les évadés" d'après une excellente histoire de Stephen King ("Rita Hayworth ou la liberté" est son titre, je crois) tirée du non moins excellent recueil de nouvelles "Différentes saisons" (que je recommande pour découvrir S.King si on ne le connaît pas ).
Dans ce film "Les évadés", Tim Robbins est parfait en avocat injustement accusé du meurtre de sa femme et condamné à une longue peine à la prison de Shawshank, où il se lie d'amitié avec un black joué par Morgan Freeman. Ce film là, vraiment je le garantis, même si l'action se passe pendant la grande crise de 29, il vous remuera les tripes ! Une vraie réussite, un film dont les qualités en font l'égal du très bon livre dont il est tiré. C'est rare !  
Si ça plaît pas je rembourse le DVD...

J'ai vu les deux que tu cites, je les ais beaucoup aimé !
Des classiques !

Ce soir au cinoche c'était la séquence rétro, avec "Frantz" de François Ozon. Dans une ville allemande en 1919, une jeune femme va se recueillir sur la tombe de Frantz, son fiancé mort au combat. Au cimetière elle rencontre Adrien, un français venu rendre hommage lui aussi à Frantz. Comment il l'a connu, c'est le propos du film.
François Ozon a mis le paquet et il a eu raison. Gros moyens sur la photo, magnifique : des éclairages très travaillés, un noir et blanc superbe alternant au fil des flash-backs avec la couleur, une bonne idée à mon sens pour rythmer cette longue narration. Gros moyen sur les costumes, les extérieurs et les décors. Gros budget donc sûrement, mais ça valait la peine. Sensibles et justes, les deux têtes d'affiche accrochent sans excès de pathos, tout en retenue. Paula Beer est une Anna délicate, fine et très classe en fiancée éplorée mais digne. Poignante. Dans sa jolie bouche l'allemand est une langue bien musicale et le français est magnifié par son accent discret. Pierre Niney est un Adrien convaincant. Ernst Stötzner et Marie Gruber, en père et mère de Frantz, ce mort aussi présent qu'un revenant, sont plus que des faire-valoirs : ils campent avec beaucoup de sentiment des gens simples et bons. Les émotions affleurent d'un bout à l'autre du film, soutenues par les qualités esthétiques de l'imagerie rétro juste ce qu'il faut, et par la bande-son classique sans effets ronflants. Quant au message, certes simple voire simpliste (la guerre c'est mal, ça brise les vies des survivants...) il prend une portée universelle et puissante grâce à la finesse des jeux d'acteurs. Quand le réel est insoutenable, comment ne pas céder à la tentation du mensonge pour le supporter ?...
De la belle ouvrage, ce film !

"Deepwater", de Peter Berg, avec l'excellent Mark Whalberg et ce bon vieux Kurt Russel qui en prend plein la tronche, raconte comment en 2010 l'inconséquente avidité d'une "huile" de la BP (bien campée par J.Malkovich), responsable du déplacement prématuré d'une plate-forme de sondage au large du golfe du Mexique, AVANT que le bouchon de ciment placé sur la poche de brut (censé contenir la pression du gisement pendant le transfert de technologie qui en précède l'exploitation) ne soit suffisamment consolidé, comment cette inconséquence provoque un jaillissement de pétrole et de gaz incontrôlable, qui entraîne l'explosion pure et simple de tout le bazar, et la plus grosse marée noire de l'histoire des Etats-Unis...
Il y a longtemps que je n'avais pas vu un film catastrophe et mon aversion pour les blockbusters purs et simples m'aurait dissuadé d'aller le voir, mais j'en avais lu une critique qui mettait en avant le message alarmiste nous faisant prendre conscience des dangers inhérents à la technologie du tout- pétrole. Je me suis donc laissé tenter, et j'ai milité auprès de madame devant le cinoche, ce film me branchait encore plus que "La danseuse". Méa culpa, peut-être...
Pas de surprise, ça marche. Le suspense est vite mis en place, même si les ficelles sont connues : comme dans la tour infernale, la cupidité des décideurs, qui n'appréhendent le monde que de façon virtuelle mais dont dépendent les hommes de terrain, cette cupidité rencontre les limites du monde réel, implacable. La tension monte, on comprend les risques et on suit bien, techniquement, la séquence des énormes erreurs que les chefs d'équipe inquiets sont impuissants à empêcher, à cause du cynisme froid du responsable, trop pressé de commencer l'exploitation d'un énorme gisement prometteur de gros bénéfices...
Rien à dire sur les effets spéciaux, on en a pour ses sous, plein les yeux et les oreilles. Les âmes sensibles peuvent y laisser quelques rognures d'ongles, la bande-son fonctionne d'ailleurs bien pour ça. Et même, après les ongles, une phalange ou deux en prime. Tant pis si on n'a pas prévu les kleenex pour nettoyer le sang sur les fauteuils...
Sacrifiés sur l'autel du réalisme, à l'écran quelques braves types vont au devant de la mort ou se laissent rattraper par l'horreur, faute de chance ou de réactivité. Un champ de bataille, 11 morts. C'est les sans-grades qui dérouillent, comme dab...
Mais subitement, un doute me vient : se pourrait-il que l'indignation serve d'alibi au voyeurisme qui nous fait les yeux doux en loucedé ?..
J'aurais été conquis si une deuxième partie, après l'horreur brutale, venait détailler un peu plus la galère des juristes et des victimes, leur échec à faire valoir les droits à réparation, et surtout le travail de mise à plat du bilan écologique consternant de toute cette folie. (800 millions de litres de brut déversés, ça donne à penser, non ?...) Mais pour tout ça, on a juste droit à quelques entrefilets vaguement laconiques. C'est ça qui craint.
Pour rentrer à la maison je devais faire 50 bornes, j'ai brûlé quelques litres de gaz. Méa culpa, vous dis-je...

Rien que pour Kurt Russel que ça me ferait plaisir de revoir, pourquoi pas !

N.Garcia nous sort son dernier opus et la semaine dernière, pour une fois Y.Moix s'est répandu en éloges chez Ruquier, ce qui n'est pas si courant de sa part. Il mettait "Mal de Pierre" au rang de chef d'oeuvre absolu, pas une seule petite réserve. Incroyable ! Dithyrambe exceptionnel que n'ont pas réitéré les critiques de l'émission "On aura tout vu" sur F.Inter, qui en ont parlé ce matin comme d'un film assez quelconque, ne pouvant emballer que les amateurs du genre cinématographique disons "vieille école".
Ca raconte le parcours de Gabrielle, une jeune fille un peu...chaudasse (?), une sorte d'apprentie Bovary, aînée d'une famille d'agriculteurs aisés dans la Provence des années 50, que sa famille catho marie quasiment de force à José, un de ses ouvriers agricoles, pour avoir la paix. Il faut dire qu'elle devient ingérable à force de draguer son prof de français avec de moins en moins de retenue. La fille, c'est M.Cotillard et elle assure, parfaite tout en finesse pour le rôle. José, c'est A.Brendemühl, parfait lui aussi, qui révèle avec une grande sobriété un personnage de taiseux beaucoup plus perspicace et humain qu'il n'y paraît de prime abord. Gabrielle se soumet malgré sa révolte, parce qu'on est dans les années 50 et que les femmes n'ont pas encore voix au chapitre. Elle est mariée mais fait la gueule. En fait elle a tellement le feu aux reins (des calculs, rien que des calculs !) qu'elle doit faire une cure thermale à peine mariée pour pouvoir enfanter. Au sana elle rencontre André Sauvage, un militaire de carrière qui a été blessé en Indochine (Louis Garrel, qui fait le job lui aussi, en beau ténébreux fragilisé par la maladie). Elle en tombe bien sûr très amoureuse, mais doit retourner à son morne quotidien une fois guérie. Le film nous conte sa vie de frustrations, vécues avec un courage assez héroïque par cette femme qui essaie d'étouffer son aspiration à l'intensité amoureuse, dans une époque que les soixante-huitards n'avaient pas encore tourneboulée.

Je ne suis peut-être pas aussi catégoriquement enthousiaste que Y.Moix, mais j'ai trouvé Masson et Delmas (les critiques ciné de F.Inter) un peu durs : passée la première demi-heure, ce film m'a touché, sans doute parce qu'il met en scène des conditionnements que j'ai un peu connus, étant né au moment de la défaite d'Indochine. La peinture de l'époque de mon enfance est pour moi assez réussie (jeune marié, José promène madame sur un 175 Motoconfort, faut dire !   ), et la finesse de jeu de Cotillard autant que la prestation de Brendemühl ont su faire monter mon émotion, surtout au moment du coup de théâtre final, plutôt bien amené selon moi.
Ma moitié a passé un bon moment aussi, elle et moi sommes donc raccord avec Garcia qui est notre aînée, un peu comme une grande soeur pour nous, peut-être. Mais notre grande fille, qui nous accompagnait, s'est un peu ennuyée quant à elle.
Un beau film trop générationnel ?

Dans ce monde de brute, cocorico ! Avec "Ma vie de courgette", Barras (le réalisateur) fait honneur, s'il en était besoin, au cinéma d'animation français.
Icare est un jeune garçon dont le surnom est courgette pour sa mère alcoolique et esseulée. A la mort accidentelle de celle-ci, Raymond, un flic sympa, est chargé de l'affaire. Il conduit Courgette dans un orphelinat et s'attache à lui. Pour Courgette, c'est la découverte de l'amitié, d'une famille de cassés comme lui, du réconfort d'adultes chaleureux, et même l'éveil à l'amour. Voilà le sujet de ce film d'animation construit avec des marionnettes genre "Wallace et Gromit" par une équipe franco-suisse.
En ces temps de sinistrose plombante, la tendresse rafraîchissante, la vivacité pétillante des dialogues (un mélange heureux d'humour façon "Petit Nicolas", de gouaille façon "Titeuf" et d'un esprit spécifique façon "Courgette"), la maîtrise technique d'un procédé prenant le contre-pied des surenchères high-tech à la mode, maîtrise qui donne de la puissance au message d'amour contenu dans un scénario bon-enfant pas gnan-gnan, tout cela fait beaucoup de bien aux enfants (que nous avons été), autant qu'aux adultes (que nous sommes peut-être devenus bon an mal an). Faire monter l'émotion avec des marionnettes aussi présentes que des acteurs inspirés, autant chez eux (les enfants) que chez nous (les adultes), c'était un défi mais pour moi il est gagné haut la main. Bravo !

Salut Christophe !

Je note ! a voir en famille un film d'animation !

Absolument Manu ! Allez le voir avec vos mômes, même les plus grands ! Faut faire vivre le bon cinoche...

Super !

C'est Bertrand Tavernier, l'auteur notamment de "Capitaine Conan" que j'avais adoré, qui s'y colle. Il a décidé de se lancer dans son autobiographie de cinéphile réalisateur, et son "Voyage à travers le cinéma français" traite de la période qui a précédé sa naissance (c'est un enfant de la guerre) jusque dans les années soixante dix (quand je commençais à regarder des films). Ca dure plus de trois heures mais je ne me suis pas ennuyé une minute ! Pour le prix d'une place de ciné on en a pour ses sous, croyez moi...
Merci, grand merci à Mr Tavernier pour ce voyage au coeur de la galaxinoche française ! Pour un amateur assez inculte comme moi, c'est quelquefois beaucoup (trop?) d'info d'un seul coup, dans le (trop grand ?) désordre de son enthousiasme à bâtons rompus... Je ne suis pas sûr de retenir longtemps les noms de ses aînés dans le métier, ceux qui l'ont marqué et dont il sait si bien décortiquer la créativité. Qu"importe si je mélange les chronologies des anciens de l'avant-guerre dont il parle dans la première partie, les Renoir, Becker et autres Carné, ou des acteurs qu'ils ont mis en lumière, qu'ils s'appellent Berry, Simon, Arletty, Jouvet ou Gabin... Qu'importe si j'ai déjà oublié le nom des compositeurs qui ont donné son identité musicale au cinoche français, et dont il souligne si bien les spécificités. Pour leur travail aussi, il m'a donné envie de voir, de revoir, de recevoir, même si dans sa deuxième partie je me suis senti plus à l'aise, ayant grandi au moment de l'entrée en lice d'autres grands qu'il fait entrer en scène. Des références comme Truffaut, Melville, Godard ou Sautet, c'est ma jeunesse qui resurgit, et il sait si bien choisir leurs moments forts que l'émotion s'invite à l'écran avec Bébel, Ventura, Piccoli, Signoret, Bardot, Moreau ou... Gabin (encore lui !) ... Oui, vraiment, merci à Mr Tavernier. Et respect pour son ardeur, son élan intacts, ces témoins de la jeunesse qui l'habite toujours à n'en pas douter. Mr Tavernier est une belle personne, me semble-t-il. Il part de son vécu sans se mettre en avant mais il est, lui aussi, le cinoche français, et il donne vraiment envie de l'aimer. J'attends avec impatience son prochain panoramique !

Oui, il a la pêche, Loach, et il le prouve à 80 balais avec son "Moi Daniel Blake", qui détaille en Angleterre les rouages kafkaïens d'un fantôme d'état-providence, rouages dans lesquels un brave type se trouve peu à peu broyé à la fin d'un parcours de citoyen ordinaire mais exemplaire.
Daniel Blake est menuisier. Il a 59 piges et se remet d'une crise cardiaque. Les médecins le considèrent inapte au travail, mais la case infarctus n'est pas prévue dans les formulaires du pôle-emploi local qui doit subvenir à ses besoins avant la reconnaissance de son statut d'invalide. Total, pour toucher le chômage en attendant d'être pensionné, il doit pouvoir ...prouver qu'il cherche activement du taf. Docile et résolument positif, il démarche mais galère à s'inscrire dans les cases informatiques, à cause de son incurie face aux claviers et autres souris. Parallèlement à ses tentatives absurdes (et presque comiques), entre les conversations avec des voix enregistrées et les rares entretiens avec de réelles personnes (bornées ou impuissantes) qu'il réussit à obtenir, il se lie d'amitié avec une mère célibataire bien démunie elle aussi. Franc du collier, empathique et chaleureux, Blake est une belle personne. Mais pour la machinerie ultralibérale dématérialisée, il est...personne. Pour qui (per)sonne le glas, je vous laisse deviner...
Si sa trame est assez prévisible et les profils de ses protagonistes presque convenus, le film que nous livre K.Loach est généreux et utile, au même titre que "La loi du marché" qui abordait en France une problématique voisine, assez récemment. K.loach a reçu une palme méritée pour un film à voir, un coup de poing qui devrait, dans un monde idéal, faire se lever les hommes de bonne volonté comme vous et moi, pour en finir avec l'argent-roi...

D'Emmanuelle Bercot, j'avais bien aimé "En solitaire", et bien sûr le récent "La tête haute". Dans "La fille de Brest", elle retrace le combat du Dr Irène Frachon, pneumologue que sa pratique avait amenée à suspecter l'implication du Mediator dans la dégénérescence des valvules cardiaques de ses patients, et la survenue de ce fait chez eux de gravissimes insuffisances cardio-respiratoires, parfois mortelles. De proche en proche, le cynisme et la mauvaise foi de la firme Servier aidant, I. Frachon (magistralement campée par la rayonnante S.B. Knudsen, encore plus investie que pour sa belle prestation au côté de Luccini dans "L'hermine") se décide au combat, médical, administratif et juridique. Elle élabore un dossier à charge, très documenté et progressivement irréfutable du point de vue statistique. Elle a la chance de réussir à mobiliser à ses côtés quelques belles personnes dans son milieu professionnel (B. Magimel, surprenant avec vingt kilos en trop, est un scientifique convaincant), dont l'aide sera précieuse pour faire éclore le scandale qui entraîna récemment le retrait du médicament...
Le vrai plus du film, c'est d'avoir fait de cette histoire exemplaire un thriller haletant plutôt qu'un docu ennuyeux, sans négliger pour autant les aspects techniques qu'il réussit à nous faire comprendre. Il faut saluer la construction scénaristique où le dosage habile de la tension dramatique, alternant avec des "respirations familiales" et des séquences de lâcher-prise (je pense aux coups de colère de Frachon/Knudsen à l'occasion desquels elle lâche des jurons dans sa langue natale qui nous mettent en joie), contribue à créer chez nous la révolte et l'enthousiasme, à nous impliquer à fond...
Je n'ai même pas envie de dénigrer le côté un peu...manichéen que prend le personnage christique d' I. Frachon, ce docteur courage que sa famille soutient sans jamais douter, cette beauté exemplaire, inflexible, soutenue par une telle puissance affective chez ses proches. Ca paraît parfois presque trop mais après tout c'est une histoire vraie, pas vrai ?..
Ce film coup de poing est une réussite. Utile à nous ouvrir les yeux, espérons qu'il le sera aussi aux victimes pour l'obtention des aides que Servier traîne peut-être encore à prendre en charge (ce dernier point est un peu flou) !

Un thème d'actualité bien traité alors ?
ça m'intéresse !

Merci Christophe et une petite tape amicale sur le bidon de ta NTV.

OK Manu, j'y manquerai pas !

Après "La tortue rouge", cocorico, un artiste français se démarque de nouveau avec "La jeune fille sans main", long métrage d'animation très original prenant pour base le conte éponyme des frères Grimm, dans lequel un meunier cède au marché que lui propose le diable un jour de disette : couper les mains de sa fille et la lui donner, en échange d'une profusion d'or dans l'eau de son moulin... A voir peut-être avec ses GRANDS enfants si on est sensible à l'expérimentation artistique.
Sébastien Laudendach est encensé par un déferlement de dithyrambes que j'ai trouvé un peu excessif en sortant de son long métrage. D'abord, il faut le dire, j'ai été séduit, comme tous les adultes un tant soit peu critiques vis à vis des superproductions habituelles, formatées pour plaire à grand renfort de technologie 3D par les studios les plus en vue dans le monde de l'animation. "La tortue rouge" s'était récemment distingué lui aussi du lot commun. Ce long, très long métrage m'avait séduit d'un bout à l'autre par son côté contemplatif, philosophique et apaisant, par la fluidité du graphisme volontairement épuré d'une puissance surprenante, par des harmonies colorées très maîtrisées et une bande son originale, sans réel dialogue. "La jeune fille sans main", quant à lui, joue aussi la carte de l'originalité, encore plus radicalement peut-être, par un parti pris d'épure. D'abord ça a fonctionné pour moi, et tout le long du film, certains passages m'ont paru bien servis par ce parti-pris : je pense aux séquences évoquant les longues errances des personnages par un tournoiement de paysages schématisés, ou la symbolique de la guerre par un défilement de tableaux vite brossés, ou encore cette scène de la danse dans le jardin enchanté qui semble comme une convocation de Matisse... Mais à la longue, j'ai trouvé que cette économie de moyens redondante desservait le récit, lui donnait de la sécheresse, et l'ennui a pointé le bout de son nez. J'ai d'ailleurs vu des spectateurs quitter la salle avec leurs petits qui n'accrochaient pas. La palette colorée m'a finalement parue un peu pauvre, des flashs de lignes pulsatiles discrètement fluo peinant à l'animer même s'ils sont souvent bien venus. La bande son, enfin, n'a rien de très original et les dialogues, lus un peu laborieusement, auraient gagné à passer plus en avant... La critique est facile, certes, et l'art est difficile. Et des qualités artistiques, ce film n'en manque pas. Mais à mon sens la plastique et la rythmique qu'il adopte auraient mieux convenu à un format court ou moyen métrage....

c'est peut être dommage mais franchement j'ai du mal à lire, essaye d'éclaircir un peu pour que cela soit lisible.